초상화
예를 들어 Pisanello 또는 Jan van Eyck의 15 세기 인물 사진은 공간의 집중, 실행 및 분포에서 완성 된 그림 작품으로 간주 될 수 있습니다. 명확하고 섬세하게 묘사 된 표현은 표면의 모든 디테일을 따르며 현실감을 위해 노력합니다. 상세하게 풍부한 프로파일이 바람직하다; 구호와 비슷하게 메달과 비슷합니다. 다음으로 순수한 윤곽으로 두드러지게, 공간 효과가 더 큰 3/4 윤곽이 앞으로 몇 세기 동안 고전적인 초상화 자세로 남아있었습니다.
그림과의 밀접한 관계는 15 세기의 거의 모든 초상화 그림에 적용됩니다. Dürer의 막시밀리안 황제 그림이 그림에 대한 초상화 연구로 시작된 것처럼 너무 강력한 작품. 그러나 동시에, Dürer의 초상화 그림 중 일부는 예술적 기업의 마지막 단계를 명확하게 구현합니다.이 분위기는 다른 16 세기 초상화 작가들 에게서도 볼 수 있습니다. 프랑스의 장 (Jean)과 프랑수아 (François) Clouet와 스위스의 한스 홀 베인 (Hans Holbein)과 같은 세기에 영국에서 더 두드러진 작품들은 특히 다양한 색상의 분필로 그림이 완성되었을 때 인물 그림에 대한 자율성을 부여했습니다. 더 부드러운 매체, 윤곽선의 선택은 모든 정확도가 덜 독립적이며 평면 요소가있는 섬세한 내부 도면은이 도면을보다 생생하고 개인적인 성격을 부여하며 그림에 대한 근접성을 한 번 더 강조합니다.
다색 분필 기법과 파스텔에서 세로 그리기는 19 세기에도 독립성을 유지했습니다. 18 세기에 Quentin de La Tour, François Boucher 및 Jean-Baptiste Chardin (프랑스 출신의 모든 예술가)은 최고 실무자 중 한 사람이며 19 세기에 살던 Ingres조차도 여전히 그 기술을 사용했습니다. 파스텔 페인팅에서 인물 사진은 다른 모든 피사체보다 중요했습니다.
포즈, 유형 및 실행을 선택할 때 다른 예술 형식과 마찬가지로 인물화는 시대의 일반적인 스타일 특징에 영향을받습니다. 따라서, 바로크 양식과 로코코 후기의 극단적 인 화보 적 태도는 신고전주의 시대에 더욱 심오한 개념이 뒤따 랐는데, 이는 흑백 기법을 선호하고 특수한 형태의 실루엣, 즉 검은 색으로 채워진 윤곽선 윤곽선을 육성했습니다. 15 세기의 전임자들에게 틀림없이 논란을 일으킨 19 세기 초의 인물 사진 제작자들은 가장 신중하게 선택된 그래픽 매체를 통해 얻은 세부 묘사와 소성 효과를 다시 한 번 겨냥했습니다. 그리고 Silverpoint도 낭만 주의자들에 의해 재발견되었습니다.
인물 사진의 심리적 측면에 더 관심이있는 19 세기 후반과 20 세기 초안은 모든 예술적 충동을 쉽게 따르는 부드러운 크레용을 선호했습니다. 특징적인 요소의 압류와 적절한 평면 표현은 사실적인 디테일보다 더 무겁습니다. 무드 요소, 지적 긴장 및 개인적 참여는 현대 초상화의 전형적인 특징이며, 따라서 다양한 기법의 특성을 넘어 예술가의 개인적인 장인 정신을 계속 문서화하는 예술인 현대 초상화 그리기의 특징입니다.
경관
15 세기 초, 풍경화도 충분한 자율성을 얻었으므로 특정 그림의 배경에 대한 완성 된 연구와 독립적이고 독립적 인 스케치 된 풍경을 구별하기가 어렵습니다. Jacopo Bellini의 15 세기 스케치북 (영국 박물관과 루브르 박물관의 앨범에 보존되어 있음)에는 이미 자연 연구와 그림 구조 사이에 밀접한 관련이 있습니다. 16 세기 Titian의 스튜디오에서 풍경 스케치는 그림 배경에 대한 제안으로 표시되어야합니다.
그러나 다른 작품을 언급하지 않고 자체 주제를 주제로하여 되풀이 된 이미지와 자율적 인 예술 작품으로 조경을 개발 한 것은 듀러였습니다. 그의 수채화는 무엇보다도 그의 두 이탈리아 여행, 뉘른베르크 주변 및 네덜란드 여행의 그림을 가장 초기의 순수한 풍경화를 나타냅니다. 이러한 절대 조제에서 이러한 도면이 다시 발생하기 전에 몇 세기가 지났다.
조경 요소는 16 세기 독일과 네덜란드의 그림과 삽화에서도 매우 중요했습니다. 대부분의 경우에 현존하는 비 유적 표현은 특히 다뉴브 학교 (Albrecht Altdorfer 및 Wolf Huber)의 작품에서 낭만적 인 숲과 초원 풍경에 공식적으로 통합되어 있습니다. 다른 학교보다 더 자주, 여기에서 신중하게 실행 된 자연관을 발견합니다. 네덜란드에서 Pieter Bruegel은 두 가지 경우 모두 자율 작업으로 지형 조경과 무료 조경 작곡을 그렸습니다.
17 세기에는 자연 연구와 그로부터 자란 풍경 그림이 새로운 최고점에 도달했습니다. Accademia degli Incamminati (예:도 메니 치노 (Domenichino))의 풍경화는 고전과 신화적인 주제를 영웅적인 풍경과 결합했습니다. 로마에 거주하는 프랑스 인 클로드 로레인 (Claude Lorrain)은 열린 하늘 아래서 자주 일하면서 지금까지 도달하지 못한 대기 질로 풍경 그림을 만듭니다. Poussin과 로마에 거주하는 다른 북부 인들에 의해 묘사 된이 유형의 재배되고 이상적인 풍경 (네덜란드 출신의 많은 예술가들이 로마에 살았으며 이탈리아의 그림은 거의 미묘한 품질을 얻었습니다.) 이는 모국의 풍경을 묘사 할 때 주로 네덜란드 인들이 보유한 비영리적이고 자연에 가까운 풍경 개념과 대조적이다. 렘브란트가 다시 특별한 위치를 차지하면서 독립적 인 풍경화 (예: Jan van Goyen 및 Jacob van Ruisdael과 그의 삼촌과 사촌)를 만들었던 모든 풍경화가들 (그들의 풍경화는 예술적으로 전문화 된 낮은 국가들에서 강력하게 대표 된 명물): 몇 번의 스트로크만으로도 지역의 특성을 포착하여 가장 작은 형식에서도 기념비적 인 표현력을 얻도록 향상 시켰습니다. 18 세기 이탈리아에서 지형 학적으로 충실한 풍경화는“뷰”의 공급자 인 Vedutisti의 출현으로 중요해졌으며, 그 자체로 그룹을 구성하고 (Giambattista Piranesi 및 Canaletto [Giovanni Antonio Canal]) graticulate 프레임 및 카메라 옵스큐라와 같은 광학 보조 장치. 상상력이 풍부한 풍경뿐만 아니라 더 큰 예술적 자유의 풍경화는 일부 프랑스 예술가들에 의해 가장 성공적으로 이루어졌다. 그림과 대기로,이 주제는 Turner와 Alexander Cozens와 같은 영국 예술가의 붓으로 그린 풍경에서 두 번째 꽃이 피었습니다.
묘사에 대한 강한 관심을 감안할 때, 18 세기 신고전주의와 낭만주의 초안은 자연을 지형 학적으로 정확하게 관찰했습니다. 새로운“발견”으로서 낭만적이고 영웅적으로 과장된 알파인 세계는 이제 이탈리아 풍경의 아르카디아 적 관점과 함께 예술가의 마음에 자리 잡았습니다.
풍경화와 더 많은 수채화는 19 세기에 끝없는 주제를 형성했습니다. 프랑스 예술가 장 밥 티스트 카밀 코롯 (Jean-Baptiste-Camille Corot)과 세기 말경 세잔 (Cézanne)과 반 고흐 (Van Gogh)는 조경 드로잉의 주요 제작자 중 하나였습니다. 조경은 많은 20 세기 초안 작가들의 작품의 일부를 형성했지만, 세기의 대부분 동안, 그 장르는 형태의 일반적인 문제에 대해 2 위를 차지했으며, 주제는 단지 시작점으로 취급되었다. 그러나 20 세기의 지난 30 년 동안 많은 미국 예술가들이 대표로 돌아 왔으며, 그로 인해 풍경에 주제로 다시 투자했습니다.
그림 구성 및 정물
자율적 인 그림의 주요 주제 인 포트리 쳐와 풍경에 비해 다른 모든 것들이 덜 중요합니다. 그림 구성은 시간의 그림에 크게 의존하며 종종 직접 연결됩니다. 확실히, 17 세기 조각사와 등화가있는 레이몬드 드 라 파지 (Raymond de La Fage)와 같은 기념비적 그림의 주제를 다루는 예술가들도 있었다. 그러나 일반적으로 그림 구성의 예술적 목표는 그림이며 유용한 그림과 길을 나타내는 그림이 있습니다. 특히 17 세기 저 국가 (예: Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade, Jan Steen 등)와 18 세기 프랑스와 영국에서 인기있는 장르 장면은 독립적 인 입장을 취했습니다. 19 세기에도 일상 생활에 관한 이야기를 들려주는 그림이있었습니다. 종종 성격 상 예시적인 것으로서, 이들은 종종 다색 포맷뿐만 아니라 그들의 예술적 실행으로 인해 "작은 그림"으로 불릴 수있다.
정물화는 자율적 인 그림, 특히 17 세기 이후로 인기를 얻은 네덜란드 예술가 Jan van Huysum의 꽃과 같은 꽃의 표현이라고 주장 할 수 있습니다. 여기서도 잘 설계된 배열은 즉각적인 자연 연구를 그림 구성으로 변형 시킨다는 것이 사실입니다. 이러한 구성들 중 일부에서 페인팅과의 유사성은 매우 강하다. 예를 들어 19 세기와 20 세기 예술가 오 딜론 레돈의 파스텔이나 20 세기 독일 표현 주의자 에밀 놀데 (Emili Nolde)의 작품은 색채 강도가 그림과 회화의 구분선을 초월합니다. 정물화에서와 같이 정물화에서, 자율적 인 형태의 원칙은 사실 진술보다 현대 예술가들에게 더 중요합니다.
기발하고 표현력이없는 그림
상상력이 풍부하고 환상적인 테마를 가진 그림은 외부 현실과 더 독립적입니다. 꿈의 출현, 변성, 현실의 분리 된 수준과 영역의 얽힘은 전통적인 주제였습니다. 히에로니무스 보쉬 (Hieronymus Bosch)의 15 세기 후반 판타 마고 릭 작품이 초기 사례입니다. 16 세기 플랑드르 예술가 인 피터 브루 겔 (Pieter Bruegel)과 17 세기 프랑스 예술가 자크 캘롯 (Jacques Callot)의 카니발 에칭에 의한 우화적인 농민 장면이 있습니다. 18 세기 이탈리아 조각사 Giambattista Piranesi, 18 세기 앵글로-스위스 예술가 Henry Fuseli, 19 세기 영어 일러스트 레이터 인 Walter Crane, 19 세기 프랑스 상징주의 예술가 Gustave Moreau와 20 세기 초현실주의 자들.
표현의 기본 요소 인 점, 선, 평면을 순수한 형태로 줄인 비 표현 예술은 새로운 도전을 제공했습니다. 연관 적 공동 공간과 공간 관계의 포기를 통해 그림의 크기와 다양한 매체의 구조의 전개가 새로운 의미를 얻습니다. 예를 들어 16 세기의 주세페 아르 킴볼도 (Giuseppe Arcimboldo)의 그 로테 스키 (예: 인간과 동물 형태의 환상적이고 환상적인 표현) 서로, 잎, 꽃, 과일 등의 표현으로 표현되고 모스크와 같은 붓글씨 연습 (잎과 꽃을 기준으로 강하게 양식화 된 선형 장식)으로 이루어 지지만 대부분은 가장 다른 장식 작업을위한 인쇄 또는 조각 모델로 사용됩니다. (인테리어 장식, 가구,기구, 보석류, 무기 등).
