Karlheinz Stockhausen (1928 년 8 월 22 일 출생, 독일 쾰른 인근 뫼 드라 스 (Mödrath)-2007 년 12 월 5 일, 튀 르텐), 독일의 작곡가, 전자 및 직렬 음악의 중요한 제작자이자 이론가 인 아방가르드 작곡가에게 큰 영향을 미침 1950 년대부터 80 년대까지
스톡하우젠은 1947 년부터 1951 년까지 쾰른 주립 음악 아카데미와 쾰른 대학교에서 공부했습니다. 1952 년 파리로 가서 작곡가 올리비에 메시아 엔과 한동안 다리우스 밀 하우와 함께 공부했습니다. 1953 년 쾰른으로 돌아온 Stockhausen은 유명한 전자 음악 스튜디오 인 West German Broadcasting (Westdeutscher Rundfunk)에 합류하여 1963 년부터 1977 년까지 예술 감독으로 재직했습니다. 그의 Studie I (1953; "Study")는 사인으로 구성된 최초의 음악 작품입니다. Studie II (1954)는 전자 음악의 첫 번째 작품으로 발표되고 발표되었습니다. 1954 년부터 1956 년까지 본 대학교 (Bonn University)에서 스톡하우젠은 음성학, 음향학 및 정보 이론을 공부했으며,이 모든 것이 그의 음악 작곡에 영향을 미쳤습니다. 1953 년부터 다름슈타트에서 새로운 음악에 관한 여름 강좌를 강의 한 후 1957 년 작곡을 시작했으며 1963 년 쾰른에서 비슷한 일련의 워크샵을 열었습니다. 스톡 하우저는 유럽과 북미 전역에서 강연을하고 그의 음악 콘서트를 진행했습니다. 1971 년부터 1977 년까지는 쾰른 주립 음악 아카데미에서 작곡 교수로 재직했습니다.
음악의 기본적인 심리적, 청각 적 측면에 대한 스톡하우젠의 탐구는 독립적이었다. 연대주의 (전통적인 음조에 관계없이 순서대로 배열 된 일련의 음색을 기반으로 한 음악)가 그를위한 기본 원칙이었습니다. 그러나 Anton Webern과 Arnold Schoenberg와 같은 작곡가들은 일련의 원칙을 투구로 제한했지만 Stockhausen은 작곡가 Kreuzspiel (1951)로 시작하여 주로 메시아 엔의 작품에서 영감을 얻은 다른 음악 요소로 연대기를 확장하는 것에 대해 설정했습니다. 따라서 계측, 피치 레지스터 및 강도, 멜로디 형식 및 지속 시간은 거의 기하학적 수준의 구성을 가정하는 음악 작품에 배포됩니다. Stockhausen은 1950 년대에 테이프 레코더와 기타 기계를 사용하여 기본 요소 인 사인파를 전자적으로 조작하여 소리를 분석하고 조사하기 시작했습니다. 이 시점에서 그는 음악과 그들의 조직의 기본 요소에 대한 새롭고 근본적인 일련의 접근 방식을 만들기 시작했습니다. 그는 전자적 수단과 전통적 수단을 모두 사용했으며 음악 표기법의 엄격한 이론적 추측과 근본적인 혁신으로 접근 방식을 강화했습니다.
일반적으로 Stockhausen의 작품은 "포인트"(개별 음표), "음표 그룹"또는 "모멘트"(개별 음악 섹션) 등 개별적으로 특성화 된 일련의 작은 단위로 구성됩니다. 더 큰 극적인 라인이나 음악 개발 계획의 일부를 형성하지 않는 청취자. 1950 년대 초 작곡가 존 케이지 (John Cage)는 이러한 종류의 불확실한“개방형”기술을 개척 한 후 스톡하우젠에 의해 채택되었습니다. 스톡하우젠의“개방형”의 전형적인 예는 소프라노, 코러스 4, 13 명의 연주자 인 Momente (1962–69)입니다. Klavierstück XI (1956; Piano Piece XI)와 같은 일부 작품에서 Stockhausen은 공연자에게 발생 순서에 관계없이 똑같이 흥미로운 개별 모멘트 컬렉션을 재생할 수있는 몇 가지 시퀀스를 선택할 수 있도록합니다. 기회 결정은 따라서 많은 작곡에서 중요한 역할을합니다.
특정 요소는 서로 동시에 동시에 연속적으로 재생됩니다. Kontra-Punkte (카운터 포인트; 1952–53; 10 개 악기)에서 악기 쌍과 극한 음표 값은 일련의 극적인 만남에서 서로 마주합니다. Gruppen (1955 ~ 57 명; 3 개의 오케스트라의 경우)에서는 다양한 속도의 팡파르와 통로가 오케스트라에서 다른 오케스트라로 날아가 공간에서의 움직임을 느끼게합니다. Zeitmasze (Measures; 1955-56; 5 개의 목 관악기)에서는 다양한 가속 및 감속 비율이 서로 반대됩니다.
스톡하우젠의 전자 음악에서 이러한 병치 현상은 더 진행됩니다. 초기 작품 Gesang der Jünglinge (1955–56; Youth of Youths)에서 소년의 목소리 녹음은 매우 정교한 전자 사운드와 섞여 있습니다. Kontakte (1958–60)는 전자음과 악기 음악의 만남으로 음색의 유사성에 중점을 둡니다. Mikrophonie I (1964)에서 연주자들은 크게 증폭 된 마이크 및 전자 필터를 사용하여 대공에서 다양한 사운드를 생성합니다.
마이크가있는 6 명의 보컬리스트로 구성된 스톡하우젠의 Stimmung (1968; "Tuning")에는 이름, 단어, 요일 독일어 및 영어로 구성된 텍스트와 독일 및 일본시에서 발췌 한 텍스트가 포함되어 있습니다. Hymnen (1969;“찬송가”)은 전자 음용으로 쓰여졌으며 여러 국가를 하나의 보편적 인 국가로 재구성 한 것입니다. Stockhausen은 Mantra (1970)와 같은 작품에서보다 전통적인 멜로디 형식을 다시 통합하기 시작했습니다. 1977 년부터 2003 년까지 거의 모든 그의 작곡은 그가 그의 걸작으로 만들려는 영성과 신비주의에 휩싸인 작품 인 웅장한 7 파트의 오페라 사이클 LICHT ("Light")의 일부를 형성했습니다. 2005 년에는 또 다른 야심 찬 시리즈 인 KLANG (“사운드”)의 첫 부분 인 24 시간에 해당하는 세그먼트가 초연되었습니다.
음악에 대한 Stockhausen의 견해는 10 권으로 된 텍스트, 독일어로 출판 된 Texte 및 Mya Tannenbaum의 Stockhausen와의 대화 (이탈리아어 번역, 1987 년), Jonathan Cott의 Stockhausen: 작곡가 (1974)와 그의 강의와 인터뷰, 로빈 메이 코니 (1989)가 주최 한 음악에 관한 스톡하우젠 인터뷰.
