극적인 표현이나 추상적 형태로 춤
서구의 논쟁
서양 연극 무용 전통, 특히 발레와 현대 무용에서 가장 반복되는 원칙 충돌은 표현 문제에 관한 것이었다. 연극 무용은 일반적으로 순수한 형식이거나 기술과 스타일의 완벽한 표현에 전념하는 것과 극적이거나 감정, 성격 및 서술 적 행동의 표현에 전념하는 두 가지 범주로 나뉩니다. 16 세기와 17 세기 프랑스와 이탈리아의 초기 발레에서 춤은 노래, 암송, 기악, 정교한 무대 디자인과 관련된 거대한 안경의 일부에 지나지 않았습니다. 그러한 안경은 이야기 나 주제를 중심으로 느슨하게 구성되었지만, 춤 동작 자체는 주로 형식적이고 장식 적이며, 동작을 전달하기 위해 매우 제한된 범위의 마임 제스처가 있습니다. 무용 자체가 더욱 가상적이되고 발레가 적절한 연극 예술 형식으로 등장하기 시작하면서 무용수의 기술적 능력이 주요 관심사가되었습니다. 발레는 무용수의 기술을 과시하는 것 외에 다른 기능없이 오페라의 한가운데에 거의 무작위로 삽입 된 기타 단편의 기타 컬렉션으로 발전했습니다. Lettres sur la danse et sur les 발레 (1760; Letters on Dancing and Ballets)에서 위대한 프랑스 안무가이자 발레 마스터 인 Jean-Georges Noverre는 이러한 발전을 막았다. 그는 춤이 극적이고 표현적인 내용이없고 움직임이 더 자연스러워지고 더 넓은 표현 범위를 수용하지 않으면 무의미하다고 주장했다… 이 예술은 단순히 눈을 만족시키기 위해 고안된 불꽃 놀이와 같은 효과가 제한되어 있기 때문에 초기 단계에 머물러 있습니다…. 아무도 마음에 말하는 힘을 의심하지 않았습니다.”
19 세기 상반기에 낭만주의 발레 시대가 열렸을 때, Noverre의 발레 활동에 대한 꿈은 이제 완전히 독립된 예술 형식 인 발레가 극적인 테마와 감정으로 가득 차면서 성취되었습니다. 그러나 19 세기 후반에는 표현력을 희생하면서 미덕에 대한 중요성이 다시 문제가되었습니다. 1914 년에 러시아 태생의 안무가 Michel Fokine은 Noverre와 유사한 라인의 개혁을 주장하면서“오래된 발레의 예술은 삶의 등을 돌렸다”고 주장했다… 좁은 전통에 빠져 들었다”고 말했다. Fokine은 "춤과 모방 제스처는 극적인 행동의 표현으로 사용되지 않는 한 발레에서 의미가 없으며, 전체 발레 계획과 관련이없는 단순한 다양 화나 오락으로 사용되어서는 안된다"고 주장했다.
발레 회사 이외의 유럽과 미국의 현대 무용 지수는 발레가 내면의 삶과 감정을 표현하지 않았다고 주장했다. 왜냐하면 그 이야기는 유치한 환상이었고 기술은 표현하기에는 너무 인공적이기 때문이다. 드라마 콘텐츠에 대한 헌신이 너무 강해서 댄스 작품을 드라마라고 부르는 Martha Graham은 현대인의 심리적, 사회적 상태로 본 것을 표현하기 위해 새로운 스타일의 운동을 만들었습니다. 및 지그재그. 종종 공중에서 멈 춥니 다. 이것이 제가 댄스에서 목표로하는 것입니다. 구식 발레 양식으로는 목소리를 내지 못했습니다.”
세계 대전 사이의 수십 년 동안 Graham, Mary Wigman 및 Doris Humphrey는 표현주의 현대 무용 학교를 설립했습니다.이 학교는 심각한 주제와 매우 극적인 운동이 특징이었습니다. Merce Cunningham과 George Balanchine과 같은 다른 안무가들은 극적 표현에 대한 그러한 밀접한 관심이 예술 형태의 춤의 발전을 방해 할 수 있다고 주장했다. Balanchine은 다음과 같이 주장했다.“발레는 가장 흥미롭고 가장 의미있는 문학적 일차 자료의 삽화가되어서는 안되는 풍부한 예술 형식입니다. 발레는 자신과 자신에 대해 말할 것입니다.” 이 안무가들의 작품은 음모, 성격 또는 감정보다는 공식적인 구조와 안무 발달을 강조했다. 그들의 영향의 결과로,“추상”또는 무모한 발레는 제 2 차 세계 대전 후 수십 년 동안 안무가들 사이에서 인기를 얻었습니다.
