서양 음악

칸타타와 오라토리오

주요 나폴리 오페라 작곡가들은 또한 악기 반주가있는 독창적 인 목소리의 세속적 인 형태로 시작된 madrigal (cantata)의 바로크 계승자를 설립하는 데 도움을주었습니다. 지아코모 카리 시미 (Giacomo Carissimi)는이 형식을 앞의 암송과 함께 두 개 이상의 아리아로 구성된 짧은 드라마로 표준화했다. 칸타타는 카리 시미의 학생 중 한 명인 Marc-Antoine Charpentier가 프랑스에 소개했습니다. Louis Nicolas Clérambault는 바로크 말기에 전통을 이어갔습니다. 성스러운 음악과 세속적 인 음악 사이의 희미한 문체 적 구별로 인해, 칸타타는 특히 독일에서 교회 목적으로 빠르게 전환되어 루터교 교회의 주요 장식 서비스 음악이되었습니다. Dietrich Buxtehude와 Johann Kuhnau는 그러한 교회 칸타타의 주요 작곡가 중 두 명입니다.

새로운 협주곡 기법이 대중, 봉사, 주제, 애국가 및 합창과 같은 기존 형태의 교회 음악에 적용되는 동안 르네상스 스타일과 유형에서 분명하게 벗어난 새로운 형식이 등장했습니다. 열정 이야기의 오라토리오와 설정은 오페라, 아리아, 보컬 앙상블, 악기 인터 루드 및 코러스로 구성된 거의 동일한 라인에서 오페라와 동시에 개발되었습니다. Emilio del Cavaliere는 La rappresentazione di anima e di corpo (영혼과 몸의 대표자)와 함께 오라토리오의“설립자”였습니다. 1600 년 로마에서 제작 된이 작품은 진정한 오라토리오와 달리 배우와 의상을 사용했습니다. Carissimi와 Alessandro Scarlatti는 오라토리오의 최고 이탈리아 바로크 작곡가 였고, 베니스의 Giovanni Gabrieli와 Monteverdi의 동공 인 Heinrich Schütz는이 분야에서 17 세기 독일의 주요 작곡가였습니다.

기악

Le nuove 음악의 새로운 기술은 악기를위한 음악에서 들려야했으며, 특히 지금은 반주가없는 목소리 (예: motet)를 위해 이전에 쓰여진 장르에 참여 했었습니다. 기악의 형식과 매체는 본질적으로 동일하지만 상당히 다른 강조를 유지했다. 예를 들어, 류트는 드라마틱 한 작품의 지속적인 반주를위한 가장 일반적인 도구 인 하프시 코드의 등장으로 빠르게 지위를 잃었습니다. 전통적인 교회 도구 인이 기관은 그 위치를 유지하고 진화하는 형태를 흡수했습니다.

이전 양식의 수정 및 확장

르네상스 무용수는 17 세기 중반 쯤 기본적으로 네 가지 무용, 쿠랑 테, saraband, gigue 등 4 개의 무용으로 구성된 무용실로 성장했습니다. 마지막 운동. 변형 형태 — 샤콘 (하모니 또는베이스 테마 세트가 지속적으로 반복되는), Passacaglia (테마는 반복되지만 반드시베이스에있는 것은 아님),베이스베이스 및 잘 알려진 멜로디의 변형 — 인기 계속되었습니다. 또한 자유 형식은 르네상스 선조의 패턴에서 계속 이어지면서 차원과 창의성이 커졌습니다. 토카타, 전주곡 및 환타지아는 세 가지 기본 악기 질감 (모방 적 대위법, 화음 동성애, 가상 통과 작업)을 조합, 교대 및 대조로 사용하여 다 단면 형태로 확장되었습니다. 르네상스 fugal 형태, 주로 canzona와 ricercar는 점차 바로크 식 후반으로 진화했으며, cantus firmus 작곡은 전례 기능의 결과로 계속 번성했습니다.

소나타와 협주곡

바로크 시대의 주요 악기 음악 카테고리는 소나타와 협주곡이었습니다. 원래 canzona에서 파생 된 악기 앙상블 조각에 적용되는 sonata라는 용어는 18 세기 중반에서 20 세기까지 악기 음악을 지배하는 형식의 명칭이되었습니다. 키보드 표현에서, 그것은 댄스-스위트 운동과 유사한 이진 (2 부분) 구조였다. 작은 앙상블의 경우, 소나타 다 치에 사 ("교회 소나타")라고하는 일련의 독립적 인 무브먼트 (일반적으로 느리고 느리게 빠른 배열로) 또는 소나타 다 카메라 ("챔버 소나타")라는 댄스 스위트로 발전했습니다.). 특히 두 개의 바이올린 (또는 플루트 또는 오보에)과 첼로가있는 트리오 소나타가 두드러졌습니다. 결국, 유사한 형식이 오케스트라 (sinfonia 또는 협주곡), 소수의 특색 지어진 악기 그룹이있는 오케스트라 (서머 그로스) 또는 오케스트라가있는 독주 악기 (솔로 협주곡)에도 비슷한 형식이 채택되었습니다. 협주곡의 기본 원리는 악기 그룹과 음악적 질감의 대비라는 원칙이었습니다.

이 기간 동안 키보드 음악은 특히 네덜란드의 Jan Pieterszoon Sweelinck, 독일의 Johann Pachelbel 및 Johann Froberger, 이탈리아의 Girolamo Frescobaldi 및 스페인의 Domenico Scarlatti의 손에서 번창했습니다. 프랑스의 주요 지수에는 Rameau와 François Couperin이 포함되었습니다.

실내악과 오케스트라의 악기 앙상블 음악은 주로 볼로냐 출신의 볼로냐 학교 인 아르 칸젤로 코렐리, 안토니오 비발디, 주세페 타르티니와 같은 작곡가를 연주하는 이탈리아 인이 지배했다. 영국의 Purcell과 프랑스의 Couperin 및 Jean-Marie Leclair는 이탈리아의 악기 앙상블 음악 모델에 영향을받은 다른 국가의 많은 작곡가를 대표합니다.