베네치아 오페라
1637 년 초에 최초의 공공 오페라 하우스 인 베니스의 Teatro di San Cassiano (도시의 부유 한 상인 가족을위한 상업 벤처)의 취임식은 오페라 개발의 또 다른 결정적 요인이었습니다. 이 행사는 궁극적으로 왕족과 귀족에 대한 독점적 후원에서 오페라를 제거하고 이탈리아 도시 인구의 가장 가난한 부문을 제외한 모든 지역에 오페라를 배치했습니다. 세기 말에 베니스에는 9 개의 상업 극장이 있었으며 그 중 다수는 오페라에 전념했습니다. 극장이 모두 동시에 운영되는 것은 아니지만 그럼에도 불구하고 국내외 관객을 끌어 모으고 경쟁했습니다. 따라서 17 세기 중반에 음모, 변장 및 속임수의 요소를 포함하고 정교한 기계를 요구하는 감각적 인 주제를 가진 음모를 선호하는 경향이 시작되었습니다. 오페라의 상업화는 또한 가수의 영향을 증가시켰다; 카스트 라티의 두드러진 성향 (사춘기 이전에 거세 된 목소리를 보전하기 위해 사춘기 이전에 거세 된 사람들). 암송에 대한 아리아에 대한 강조.
서부 극장: 오페라
르네상스 극장에서 가장 오래 지속되는 제품 중 하나는 오페라였습니다. 피렌체 사회 인 카메라타 (Camerata)의 실험에서 자랐습니다.
프란체스코 카발리 (Francosco Cavalli) 몬테 버디 (Monteverdi)의 학생은 1639 년에서 1669 년 사이에 24 개가 넘는 오페라로 베니스 오페라 하우스를 제공함으로써 그의 시대의 가장 유명한 오페라 작곡가가되었습니다. 그의 오페라 중 가장 유명한 것은 Giasone (1649;“Jason”)이며, Giacinto Andrea Cicognini의 리브레토에는 극단 에피소드가 포함되어 있습니다. 카발리의 최고 베네치아 라이벌이자 후계자는 피에트로 안토니오 세 스티 (Pietro Antonio Cesti)로, 약 12 개의 오페라, 특히 Orontea (1656; Cicognini의 libretto)가 포함되어 있습니다. 21 세기 후반 베네치아의 작곡가에는 Antonio Sartorio와 Giovanni Legrenzi, 18 세기 초의 Antonio Vivaldi는 베니스와 다른 도시에서 49 개의 오페라를 작곡했다. 비발디의 많은 오페라가 사라졌습니다. 장르가 확립되고 귀족 후원이 중단되면 오페라 점수의 비싼 출판이 중단되었습니다. 대부분의 오페라는 한 시즌 만 지속되었으며, 그 이후에는 새로 위탁 한 작품으로 대체되었습니다. 20 세기 후반에이 오페라 중 일부, 특히 카발리의 오페라가 회수되어 부활했다.
베네치아 오페라는 화려하고 진지한 요소가 혼합 된 불가사의 한 음모가 단순한 암송으로 전개되었고, 아리아는 새로운 서정적 관용구를 사용했습니다. Arias는 일반적으로 스트로피 형태 (동일한 음악으로 불려진 스탠자)와 흐르는 트리플 미터 (3 개 그룹의 비트)로 캐스팅되었으며 일부는 반복적 인베이스 패턴 (오스티 나토 또는 그라운드베이스)을 가지고있어 음모의 표현적인 높은 지점을 연장했습니다. 베네치아의 작곡가들은 많은 독주 아리아와 듀엣을 위해 독특한 스타일과 형식을 개발했으며 코러스에 거의 관심을 기울이지 않았습니다. 코러스는 피렌체 법원 제작에서 더욱 두드러진 역할을했으며 로마 동시대 인들에게 계속 중요했습니다. 암송과 아리아의 분리와 함께 솔로 가수에 대한 집중은 향후 200 년간 오페라의 특징이되었습니다. 또한 오페라의 아리아 수는 17 세기 중반 24 개에서 1670 년 60 개 이상으로 점진적으로 증가했습니다. 따라서 오페라와 피렌체 음악은시와 드라마와 구분할 수없는 오페라 음악에 대한 시각 세트와 의상의 시각적 요소를 좋아하고 강렬한 드라마틱 한 구조보다 음악적 정교함에서 더 큰 즐거움을 얻었고 오페라 회사들 사이에서 경쟁이 번성 한 분위기를 제공 한 베네치아 관객의 취향과 희망으로 곧 반전되었습니다. 고가의 스타 가수.
다른 이탈리아 도시에서의 오페라 스타일 개발
다른 여러 이탈리아 도시들은 곧 17 세기에 인식 가능한 오페라 스타일을 개발했습니다. 부유 한 설교자들이 오페라의 열렬한 후원자가 된 로마에서, 종교 주의자들은 성도들의 전설을 포함하도록 주제의 범위를 확장했습니다. Stefano Landi, Domenico Mazzocchi, Luigi Rossi 및 Michelangelo Rossi와 같은 당시의 로마 작곡가 대부분은 각 행위에 대한 보컬 앙상블과 합창 결승을 포함하여 피렌체 전통을 따랐습니다. 그들은 아리아와 암송 사이의 대비를 증가시켜 아리아가 극적인 연속성을 방해하고 암송을 더 말소리가 많고 덜 재미있게 음악적으로 표현함으로써 피렌체 스타일에서 벗어났습니다. 그들은 또한 만화 에피소드를 사용하여 (베네치아처럼) 비극적 인 이야기를 밝게 비추었고, 행위 나 행위 이전에 도구적인 서곡과 서곡 같은 조각을 소개했습니다.
두 명의 로마 작곡가들 (마 조치의 형제 버질 리오와 마르코 마라 졸리)는 종종 최초의 완전 만화 오페라 인 치 소 프레 스 피리 (Chif Soffre speri, 1639;“고난을 겪는 사람, 희망”)를 창설 한 것으로 자주 인용됩니다. 그 리브레토는 줄리아 오 카디오 로시 피오시 (Guliio Cardinal Rospigliosi)에 의해 쓰여졌으며, 1667 년 클레멘트 IX (Clement IX)로 교황청으로 올라갔습니다. Rospigliosi의 가장 유명한 리브레토 인 Sant 'Alessio (1632; "Saint Alexis")는 Landi에 의해 설정되었으며, 이는 여성 역할의 카스트 라티를 포함하여 모든 남성 캐스트가 필요했습니다. 무대에서 노래를 부릅니다. 오페라는 20 세기 후반에 성공적으로 부활되었으며, 고도로 훈련 된 가상의 반발 작가들이 원래 카스트 라티의 역할을 맡았습니다.
오페라는 나폴리에서 음악 생활의 중요한 부분이었으며, 도시 최초의 영구 오페라 하우스 인 Teatro San Bartolomeo는 17 세기 중반에 설립되었습니다. 1700 년에 나폴리는 이탈리아 오페라의 중심지로 베니스를 필적했다. 주로 로마에서 명성을 얻은 알레산드로 스칼라 티의 작품과 영향 때문이다. Scarlatti는 1684 년에서 1702 년 사이에 스페인의 승계 전쟁 (1701-14)이 로마로 돌아 오기 전에 San Bartolomeo에 대한 그의 66 개 오페라 중 32 개 이상을 썼다. 그의 오페라 중, La caduta de 'Decemviri (1697;“Dedecvirs의 타락”) — 실리아 비 오피 글 리아 (Silvio Stampiglia)의 리브레토에서 62 개 이상의 아리아를 포함하고있는 그는 그의 연극 경력의 최고점에서 스칼라 티를 대표합니다. 그는 1709 년 나폴리로 돌아 오기 전에 로마, 피렌체, 베네치아를 위해 오페라를 계속 썼다. 그러나 그의 오페라 스타일은 낡아지기 시작했다.
17 세기 후반 베네치아에서 시작된 오페라의 신고전주의 운동은 프랑스의 극작가 피에르 코네 유 (Pierre Corneille)와 장 라 시네 (Jean Racine)의 비극을 바탕으로 만화 장면과 등장 인물의 서사를 제거하고 더 간단한 음모를 요구하기 시작했다. 시간, 장소 및 행동의 통일성에 대한 고전적 이상을지지했으며, 그 결과 libretto는 하루에 단일 장소 또는 환경 내에서 단일 음모가 발생해야했습니다. 이 값들은 오페라 버페 (복수: opere buffe) 또는 "만화 오페라"와는 다른 오페라 세리아 (복수: 오페라 세리) 또는 "심각한 오페라"로 알려진 오페라 유형에 반영되었습니다. Scarlatti의 opere serie는 10 자 미만의 통일 된 음모를 사용하는 데있어 모범적이며, 그 감정과 성격은 일련의 da capo arias, 특히 나폴리의 opere serie와 관련된 aria 유형으로 표현됩니다. 다카포 아리아는 세 부분 (ABA)으로 이루어진 대규모 양식으로, 세 번째 부분은 첫 번째 "카포 또는 머리에서"즉 처음부터 반복됩니다. 이 형식은 음란하고 음울한 시로 구성되었으며, 주요 아이디어는 하나 또는 두 개의 특징적인 음악적 동기에 의해 포착되었으며, 이는 악기 리토 넬리에 의해 짜여진 음악과 텍스트 반복으로 가득 찬 정교한 솔로로 확장되었습니다. 각 아리아에서 작곡가의 목표는 행동의 특정 시점에서 주어진 캐릭터의 마음 상태에 대한 음악적 초상화를 표현하기 위해 광범위한 열정 중에서 하나 또는 두 개의 감정을 묘사하는 것입니다. 오늘 영화 클로즈업을 중지합니다. Scarlatti는 그의 아리아에 특이한 품질과 깊이를 부여하고 풍부하고 다양한 도구를 제공했습니다.
Scarlatti의 직계 후임자 중 주목할만한 것은 Nicola Porpora, Leonardo Vinci 및 Leonardo Leo와 같은 작곡가였습니다. 이 세대는 종종 메타 스타시오 (Metastasio)로 알려진 극적 시인 피에트로 트라 파시 (Pietro Trapassi)와 공동 작업을했으며, 아마도 18 세기의 가장 위대한 목회자 일 것입니다. 신화적인 영웅이 아닌 디도, 알렉산더 대왕, 티투스 등을 중심으로 한 음모를 중심으로 Greco-Roman 전설과 유사 사를 기반으로 한 신념을 이어가는 관습을 이어가고 Metastasio와 그의 베네치아 전임자 인 Apostolo Zeno는 공식적인 아름다움과 언어의 명료성에 대한 글을 썼습니다. 만화 에피소드와 캐릭터에 대한 세 가지 행위에서 엄숙하고 비극적 인 주제 (오페라 세리아)를 선호합니다.
나폴리 오페라라는 용어는 오페라 세리아와의 연관성에 더하여, 때로는 화려하게 불려지는 경쾌한 보컬 멜로디의 전경을 바탕으로 대칭적이고 균형 잡힌 문구로 표현되는 경쾌한 스타일을 나타냅니다. 이 멜로디는 초기 아리아 (약 17 세기와 18 세기 초에 해당하는 바로크 시대)의 드라이빙 리듬이없고 목소리와 경쟁하기보다는 지원되는 간단한 반주에 맞서 설정되었습니다. 18 세기의 소위 비엔나 클래식 스타일, 특히 조셉 하이든, 볼프강 아마데우스 모차르트 및 루드비히 반 베토벤의 악기 음악과 관련된 많은 자질은 나폴리 오페라의 조율적인 보컬 스타일에서 유래했습니다.
1730 년경 때때로 오페라로 번역 된 이탈리아 오페라는 코펜하겐에서 마드리드, 런던에서 모스크바까지 약 130 개의 유럽 도시와 마을에 도착했습니다. 오페라 세리아의 갈수록 엄격 해지고 비현실적인 협약은 1720 년 베네치아의 작곡가 시인 정치가 베네 데토 마르셀로 (Beneetto Marcello)가 출판 한 무자비한 풍자 인 일 테 아트로 알라 모다 ("Theatre a la Mode")와 같은 비판을 불러 일으켰다. 암송과 아리아의 기본 요소, 때때로 앙상블 및 합창은 현재까지 유지되었지만 서로 관련 비율은 다양합니다. 18 세기 이탈리아 오페라는 국제적인 매체이자 성공적인 작곡가가 명성과 재산을 얻을 수있는 유일한 수단이었습니다.
