극적인 문학

극작가에 대한 영향

극작가들은 자신이 생각하고 쓰는 조건, 자신의 사회 경제적 지위, 개인적 배경, 종교적 또는 정치적 입장, 글의 목적에 의해 의식적으로 또는 무의식적으로 영향을 받는다. 연극의 문학적 형태와 그 문체 적 요소는 전통, 이론과 극적 비판의 대상, 작가의 혁신적인 에너지의 영향을받습니다. 음악과 디자인과 같은 보조 극장 예술은 또한 극작가가 존중해야 할 전통과 관습을 통제합니다. 연극의 크기와 모양, 무대와 장비의 성격, 배우와 관객 사이의 장려 관계 유형 또한 작문의 성격을 결정합니다. 또한, 지역적이든 국제적이든 사회적이든 정치적이든 관객의 문화적 가정은 드라마의 형식과 내용을 결정할 때 다른 모든 것을 무시할 수 있습니다. 이것들은 드라마의 학생을 사회학, 정치, 사회 사, 종교, 문학적 비평, 철학 및 미학 등의 영역으로 끌어들일 수있는 큰 고려 사항입니다.

퀴즈

영어와 아일랜드 극작가 (1 부) 퀴즈

누가 레이디 윈더 미어의 팬을 썼는가?

이론의 역할

이론은 이론에 대한 드라마보다는 기존의 드라마에 근거하기 때문에 이론의 영향을 평가하는 것은 어렵다. 철학자, 비평가 및 극작가들은 어떤 일이 일어나는지 설명하고 드라마에서 일어날 일을 규정하려고 시도했지만 모든 이론은 그들이보고 읽은 것에 의해 영향을받습니다.

서양 이론

유럽에서 가장 오래된 극작 이론의 작품 인 아리스토텔레스의 단편적인 시학 (384 ~ 322 bce)은 주로 그리스의 비극과 그의 극작가 인 소포 클스에 대한 그의 견해를 반영하여 드라마의 요소에 대한 이해와 관련이있다. 그러나 아리스토텔레스의 타원형의 글쓰기 방식은 다른 연령대가 자신의 진술에 자신의 해석을 내리고 많은 사람들이 단지 설명적인 것으로 여겨지는 것을 규범으로 취하도록 권장했습니다. 그의 개념 mimēsis ("모방"), 모든 예술 뒤에 임펄스, 그리고 카타르시스 ("정화", "정서의 정화"), 비극의 적절한 종말에 대한 끝없는 논의가있었습니다., 비이성적 인 사람들에게 호소하는 플라톤의 poiēsis 공격에 대한 답변. 그“캐릭터”는“플롯”에있어 두 번째로 중요합니다. 그리스인의 관습과 관련하여 이해 될 수있는 아리스토텔레스의 또 다른 개념이지만, 캐릭터 심리학이 지배적 인 더 현실적인 드라마는 아닙니다. 후기 시대의 연극 구성에 가장 큰 영향을 미친 시적 개념은 이른바 화합, 즉 시간, 장소 및 행동이라는 개념이었다. 아리스토텔레스는 자신이 관찰 한 것을 분명히 묘사하고있었습니다. 전형적인 그리스 비극에는 하루 동안 지속되는 단 하나의 음모와 행동이있었습니다. 그는 장소의 통일성을 전혀 언급하지 않았다. 그러나 17 세기의 신고전주의 비평가들은 이러한 논의를 규칙으로 체계화했다.

그러한 규칙의 불편 함과 최종 중요성을 고려할 때, 영향의 정도는 궁금합니다. 르네상스는 고대인을 따르기를 원하며 장식과 분류에 대한 열정이 그것을 설명 할 수 있습니다. 행복하게도, 현재 인정 된 다른 고전 작품은 호레이스의시 (C. 24 cce)였으며,시는 오늘날까지의 일반적인 타당성을 가진 개념으로, 즐거움과 이익을 제공하고 기쁘게함으로써 가르침을 받아야한다는 기본 원칙을 가지고 있습니다. 행복하게도, 후원자의 취향에 따른 인기 드라마도 해방의 영향을 미쳤다. 그럼에도 불구하고, 연합의 필요 필요성에 대한 논의는 17 세기 내내 (프랑스 비평가 인 Nicolas Boileau의시 (Arts of 1674 년에 출판)에서 계속됨), 특히 Racine과 같은 주인이 규칙을 팽팽하게 바꿀 수있는 프랑스에서 계속되었습니다. 강렬한 연극 경험. Lope de Vega가 인기있는 청중과의 경험을 바탕으로 그의 새로운 작문 놀이 (1609)를 출판 한 스페인에서만, 특히 코미디와 자연 혼합의 중요성을 위해 고전 규칙에 반하는 상식적인 목소리였습니다. 비극으로. 영국에서는시의 아폴로 지 (1595 년) 필립 시드니 (Philip Sidney) 경과 목재 (1640)의 벤 존슨 (Ben Jonson)이 현대 무대 연습을 공격했다. 그러나 존슨은 특정 서문에서 100 년 동안 영어 코미디에 영향을 줄 만화 특성화 (“유머”) 이론을 개발했습니다. 영어로 된 신고전주의 비판 중 가장 좋은 것은 John Dryden 's Of Dramatick Poesie, 에세이 (1668)입니다. Dryden은 상쾌한 정직으로 규칙에 접근하고 질문의 모든 측면을 주장했습니다. 따라서 그는 연합의 기능에 의문을 제기하고 코미디와 비극을 혼합하는 셰익스피어의 관행을 받아 들였다.

활기 넘치는 자연의 모방은 극작가의 주요 사업으로 인정 받게되었고 셰익스피어의 서문 (1765)에서 사무엘 존슨의 권위있는 목소리에 의해 확인되었습니다. ”와 그의 독일 극작가이자 평론가 인 Gotthold Ephraim Lessing은 그의 Hamburgische Dramaturgie (1767–69; Hamburg Dramaturgy)에서 셰익스피어를 새로운 아리스토텔레스의 관점으로 수용하고자했습니다. 고전적인 구속복이 제거되면서 새로운 방향으로 극적인 에너지가 방출되었습니다. 1698 년“영어 단계의 부도덕과 성실성”에 대한 Jeremy Collier의 공격과 같은 지역적으로 치명적인 충돌이있었습니다. 큰 현실주의를 위해 이미 죽어가는 이탈리아 만화에 대한 골 도니의 공격; 그리고 Voltaire의 반동은 프랑스의 비극에서 화합과 통일을 원했고, Denis Diderot는 자연으로의 복귀를 요구했다. 그러나 중산층 드람 부르주아의 발전과 낭만주의의 여행을위한 길은 열렸다. 빅토르 휴고 (Victor Hugo)는 그의 연극 크롬웰 (Cromwell, 1827)의 서문에서 괴테와 쉴러의 새로운 심리적 낭만주의와 프랑스의 감상적인 드람 부르주아의 인기와 셰익스피어에 대한 찬사가 커지고있다. 휴고는 자연에 대한 진실과 숭고함과 괴기 한 욕구를 함께 묶을 수있는 극적인 다양성을 주장했습니다. 드라마 <에밀 졸라 (Emile Zola)>에서 그의 연극 테라 키 (Térèse Raquin) (1873)의 서문에서 어떤 드라마에 대한지지를 받아야하는지에 대한 이러한 견해는 유전과 이론에 의해 통제되는 사람들의 정확한 관찰을 요구하는 자연주의 이론을 주장했다.

그러한 출처에서 Ibsen과 Chekhov에 대한 지적 접근과 Luigi Pirandello와 같은 20 세기의 혁신가들에게는 터무니없는 웃음과 심리적 충격의 놀리는 조합으로 새로운 자유가 생겨났다. Bertolt Brecht는 무대의 환상을 의도적으로 깨뜨 렸습니다. Antonin Artaud는 관중들에게 "잔인한"극장을 옹호하며, 손에 쥐고있는 모든 장치를 사용합니다. 현대 극작가는 더 이상 이론에 얽매이지 않고 역설적으로 후회하지만, 현대 극장에는 더 확실한 효율의 인공물을 가공 할 수있는 인공적인 한계가 없다는 사실을 후회한다.

동부 이론

아시아 극장은 항상 한계가 있었지만 서구에서 발견 된 이론의 몸이나 반란과 반응의 패턴은 없었다. 그러나 인도의 산스크리트어 드라마는 기록 된 존재를 통해 모든 공연 예술에 대한 규칙의 철저한 개요서 인 Bharata (1 세기 bce-3 세기 ce)에 속하는 Natya-shastra의 최고 권위를 가졌다. 춤과 음악의 보조 예술과 함께 드라마의 신성한 예술. Natya-shastra는 다양한 제스처와 움직임을 식별 할뿐만 아니라, 음악적 형태에 대한 현대 논문과 마찬가지로 드라마가 가정 할 수있는 여러 패턴을 설명합니다. 시의 미터 선택에서 극중의 분위기에 이르기까지 연극의 모든 가능한 측면이 다루어 지지만, 가장 중요한 중요성은 인도 드라마의 미학을 종교적 계몽의 수단으로 정당화하는 것입니다.

일본에서 가장 유명한 노 (Noh) 초기 저술가 들인 제미 모토키 요 (Zeami Motokiyo)는 15 세기 초에 저술을하면서 아들에게 자신의 연습에 대한 에세이와 메모를 남겼으며, 선 불교에 대한 그의 깊은 지식은 노 드라마에 이상을 불어 넣었다. 지속 된 예술을 위해. 높은 진지함을 발휘하면서 절묘한 우아함을 통해 전달되는 종교적 평온 (yūgen)은 Zeami의 극적인 예술 이론의 핵심입니다. 3 세기 후, 뛰어난 극작가 치카 마츠 몬자에 몬은 나중에 분라쿠로 알려진 일본 인형 극장의 기초를 똑같이 세웠다. 이 극장에서 그의 영웅적인 연극은 엄격한 명예에서 영감을 얻어 화려한 의식과 열렬한 서정으로 표현 된 이상적인 삶을 묘사 할 수없는 극적인 전통을 확립했습니다. 동시에, 다른 맥락에서, 중산층 삶의 그의 극심한 "국내"연극과 연인들의 자살은 일본 드라마에 대해 비교적 현실적인 모드를 설정하여 분라쿠와 가부키의 범위를 현저하게 확장했습니다. 오늘날 이러한 형태는 귀족적이고 지적인 노와 함께 이론보다는 실천에 기반한 클래식 극장을 구성합니다. 서구 드라마의 침략으로 대체 될 수도 있지만, 완벽함에 따라 변화하지는 않을 것입니다. 중국의 위안 드라마는 유사하게 느리게 발전된 법과 관습에 기반을 둔 관행에 기반을두고있다. 가부키처럼 이것도 본질적으로 배우의 극장이었으며 이론보다는 실천이 그것의 발전을 설명하기 때문이다.